A animação é fácil de entrar, mas difícil de dominar. Existem tantos estilos de animação quantos animadores, e começar com um curta-metragem é uma ótima maneira de praticar as técnicas de animação à medida que desenvolve seu estilo de "assinatura". Assim como qualquer outro filme, a animação exige tempo, paciência e muito planejamento para acertar, mas qualquer pessoa com um computador pode fazer um curta-metragem de animação.
Passos
Método 1 de 3: Fazendo um Animatic (Pré-produção)
Etapa 1. Escreva um script
Muitas vezes, é mais fácil falar do que fazer, mas você precisa escrever suas ideias com clareza e estruturá-las antes de começar a trabalhar. Ao contrário da ação ao vivo, é quase impossível "improvisar" um filme de animação, pois simplesmente leva muito tempo para animar tudo. Você pode usar um documento simples do Word ou software de escrita de script como Celtx, Writer Duets ou Final Draft. Seu script não precisa de diálogo, mas precisa:
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Um tema.
Qual é o "ponto" do curta-metragem? Isso não precisa ser grandioso, profundo ou complicado. Pode ser qualquer coisa, desde "a perda da inocência infantil" ou "o tédio é um estado de espírito", a "Quero fazer as pessoas rirem com essa piada". Pense nisso como um princípio orientador para o seu filme.
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Personagens.
O que vai prender a atenção do seu público? Pode ser qualquer coisa, desde uma pessoa ou um animal até uma linha irregular, como o curta-metragem vencedor do Oscar "O ponto e a linha: um romance".
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Visuals.
Onde o curta acontece? Qual é o clima ou atmosfera? Um roteiro precisa contar a história do curta por completo para que possa ser usado como um projeto para trabalhos futuros.
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Um começo, meio e fim.
Isso parece óbvio, mas esse é o ponto - quase todas as histórias são contadas em três partes ou atos específicos e delineados. Isso não significa que você deve ter uma história de três atos, ou mesmo "personagens". No entanto, você precisa pensar na "ação" do curta-metragem antes de seguir em frente.
- O Ato 1 apresenta os personagens e um problema (eles estão com fome, o mundo está acabando, o menino está apaixonado por alguém, etc.)
- O ato 2 complica a história / problema (todas as lojas estão fechadas, o bandido pode ganhar, a pessoa já tem namorado, etc.).
- O Ato 3 fornece a solução para o problema (eles encontram uma lanchonete, salvam o mundo, o menino conhece outra pessoa, etc.)
Etapa 2. Desenhe modelos de personagens
Antes de começar a animar, você precisa saber como seus personagens serão. Esboce-os em uma variedade de poses, fantasias e expressões para ter uma ideia de como eles serão. Lembre-se de que um personagem pode ser qualquer coisa em um filme de animação, de um urso a um par de saleiros e pimenteiros. Ainda assim, você deseja desenvolver seus personagens com antecedência para que pareçam consistentes quando você os anima.
Etapa 3. Elabore um storyboard
Os storyboards são desenhos individuais para cada ação do roteiro e são usados na produção de quase todos os filmes - animados ou não. Eles são simples e abrangentes, pois você precisa de um para cada mudança que desejar no filme. No entanto, eles não precisam de detalhes ou cores de fundo, a menos que sejam essenciais para a história. Você pode encontrar e imprimir uma variedade de modelos de storyboard gratuitos online ou desenhar o seu próprio. Cada quadro do storyboard tem duas partes:
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A imagem:
Em uma caixa retangular, desenhe a ação principal da cena, ignorando as imagens de fundo por enquanto. Você também pode desenhar notas ou setas para indicar movimento.
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O diálogo.
Abaixo da cena, escreva o que precisa ser dito na cena, a duração proposta da cena e quaisquer efeitos (zoom, câmera tremida etc.)
Etapa 4. Importe seu storyboard para um programa de produção de filmes, salvando cada quadro individualmente
Depois de planejar suas fotos, importe-as para o computador. Certifique-se de nomeá-los apropriadamente (Act1. Scene1. Shot1.jpg, por exemplo). Quando terminar, importe-os todos para o software de edição de filmes (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) e coloque-os na ordem correta.
Adobe AfterEffects ou Premier são considerados os padrões da indústria, mas você pode usar qualquer programa com o qual se sinta mais confortável
Etapa 5. Use seu storyboard para fazer uma apresentação de slides cronometrada ou animatic
Animatics são os cortes brutos da animação - eles pegam o ritmo e o ritmo do curta juntos e permitem que você acerte o tempo para o seu curta final. Isso parece complicado, no entanto, são apenas apresentações de slides com o tempo adequado. Coloque as imagens do storyboard em ordem em seu software de edição e estenda, corte e brinque com elas até ter um corte "bruto" do filme final.
- Você pode encontrar exemplos de animatics online, como a animatic do videoclipe "Feel Good Inc." bem como alguns animatics da Pixar.
- Quase todos os filmes animados são transformados primeiro em animatics. Caso contrário, você corre o risco de gastar horas animando totalmente uma cena que precisa ser alterada, ficar mais longa ou mais curta ou ser excluída.
Etapa 6. Adicione a caixa de diálogo e efeitos sonoros e ajuste o tempo do animatic conforme necessário
Depois de ter terminado o seu tempo aproximado, é hora de pré-gravar o diálogo. Isso não precisa ser perfeito e você pode até falsificar os efeitos sonoros com a boca e as mãos, se quiser. O que importa é o tempo. Você tem tempo suficiente no "tiro" para fazer todas as palavras saírem? Aumente ou diminua o comprimento dos slides conforme necessário.
Quanto mais perto você conseguir que o diálogo seja perfeito, melhor, pois a maioria das boas dublagens requer o tempo adequado. Dito isso, agora não é hora de se preocupar com os detalhes mais delicados da dublagem. Você precisa reunir seu animatic antes de prosseguir para a produção completa
DICA DE ESPECIALISTA
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Etapa 7. Revise seu animatic como se fosse o filme final
O animatic final deve contar a história completa de seu filme, sem as armadilhas de cores, planos de fundo e detalhes.
Se você tem conhecimento de edição de vídeo, pode adicionar panorâmicas, zooms e transições agora mesmo para testá-los antes da edição final
Etapa 8. Considere comprar um tablet
Tablets são pequenos blocos de computador que vêm com uma caneta eletrônica, permitindo que você "desenhe" diretamente no computador. Desenhar bem com um mouse é quase impossível e, a menos que você planeje pequenos projetos ou trabalho de stop-motion, quase definitivamente precisará de um tablet.
Método 2 de 3: Animando seu filme (produção)
Etapa 1. Determine seu meio de animação
Isso geralmente depende de sua experiência e hardware. Por exemplo, é muito difícil, senão impossível, para um iniciante com um computador antigo fazer animações 3D como a Pixar. Existem muitos, muitos softwares e estilos de animação, e todos eles têm complexidades e técnicas exclusivas para o software.
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Animação 2D:
Este é o clássico desenho à mão. Os personagens são desenhos de linhas planas. Originalmente, eram desenhados quadro a quadro, mas agora existe uma variedade de softwares que tornam o processo muito mais rápido, como Synfig, Pencil2D, ToonBoom ou até Adobe Photoshop. Tradicionalmente, você usa 12-24 desenhos por segundo de filme.
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Animação 3D:
Semelhante aos modelos usados em videogames e filmes como Toy Story e Shrek, a animação 3D é muito mais difícil de dominar. Você faz modelos dos personagens e do movimento do código neles, tornando a animação 3D uma espécie de híbrido artístico / de codificação. Você também precisa adicionar iluminação e texturas. O software 3D pode ser usado, mas leva muito tempo e requer softwares como AutoDesk, Poser Pro, Aladdin ou Sketchup. A maior parte da animação 3D é o resultado de grandes equipes trabalhando juntas.
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Stop-Motion:
Tão simples que qualquer um pode fazer, stop-motion é quando você usa figuras ou desenhos da vida real e tira uma foto após cada pequeno movimento. Quando as imagens são reproduzidas em alta velocidade, parece movimento. É incrivelmente demorado, no entanto, já que muitas vezes você precisa de mais de 12 fotos por segundo de filmagem para fazer com que pareça suave. Você pode usar recortes, modelos de argila, desenhos individuais ou pessoas reais para fazer isso.
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Rotoscopia:
Uma forma de nicho de animação encontrada em filmes como A Scanner Darkly, a rotoscopia é a animação em cima de filmes convencionais. Você precisará de um tablet e percorrerá a filmagem quadro a quadro, usando o vídeo ao vivo como um guia para desenhar os personagens. O resultado é um visual realista, mas ainda animado.
Etapa 2. Desenhe seus planos de fundo
Comece com suas configurações, à medida que os personagens são sobrepostos a elas. O fundo deve ser tudo com que os personagens não interagem, pois tudo que se move precisa ser animado. O fundo deve ser um grande desenho e digitalizado em alta resolução. Isso permite que você "amplie" certas seções sem distorção. Por exemplo, se você tem dois personagens conversando em um café, deseja desenhar o café inteiro atrás deles. Mas você pode querer que a "câmera" foque em cada personagem enquanto eles falam individualmente. Em vez de redesenhar o plano de fundo atrás dele, você pode copiar e colar uma seção menor de seu plano de fundo detalhado para "close-ups".
Etapa 3. Esboce, modele ou projete suas "poses-chave
" Quais são as poses essenciais de seus personagens, ou ações definidoras de cada um na cena? Pense neles como os "destinos" para cada movimento. Considere, por exemplo, um personagem que está se preparando para um soco. Você pode dividir isso em três "poses principais", cada uma das quais precisa ser desenhada e salva separadamente.
- Pose-chave 1 = Descansando. Pode ser um rosto de surpresa, raiva ou determinação, ou simplesmente o personagem com as mãos ao lado do corpo.
- Pose-chave 2 = Concluindo. Como o personagem inclina o braço para trás? Não se preocupe ainda com o movimento para chegar a esta posição, basta puxá-los com o braço para trás e pronto para soltar.
- Pose-chave 3 = A continuação. Onde o personagem vai parar logo após o soco? Seu braço ficará exposto e seu corpo provavelmente seguirá em frente. Novamente, você quer a pose final, não os quadros à medida que a mão passa.
- Quanto mais poses principais você desenhar, mais complexo será o movimento. Por exemplo, você pode adicionar quadros-chave para o personagem parecendo chocado, fechando o punho, deixando cair o cotovelo, balançando o braço, socando e girando no follow through.
Etapa 4. Desenhe os quadros "intermediários"
Pegue o soco, por exemplo - como você vai de uma chave para a outra? Existem alguns softwares avançados que farão isso por você - uma vez que você tenha feito modelos de personagens, o software irá "renderizar" o movimento intermediário para você. No entanto, se você está apenas começando, provavelmente precisará desenhar suas próprias molduras à mão. Quanto mais quadros você desenhar, mais suave a ação parecerá.
- Colocar os quadros-chave na tela como guias pode ajudar. Isso ajuda você a ver onde você precisa obter os personagens e onde eles começaram.
- Se algo não se mover, não se preocupe em redesenhar. Copie e cole o quadro-chave, apague a parte que precisa ser movida e mantenha todo o resto onde estava.
Etapa 5. Componha a filmagem
A compostagem é apenas uma maneira sofisticada de descrever o encadeamento do filme. Isso pode ser tão simples quanto ordenar todos os quadros para stop-motion ou tão complicado quanto renderizar um modelo 3D com iluminação precisa. Novamente, seu método de animação determinará como você compõe algo:
- Para animadores 2D, a composição é fazer com que o movimento pareça suave. Software como o ToonBoom fará isso por você e pode ser chamado de "renderização".
- Para animadores 3D, saiba que isso leva muito tempo. Efeitos de iluminação e texturas são difíceis de programar, e até mesmo os computadores mais rápidos podem levar horas para compor um vídeo.
- Para animadores em stop-motion, você deve brincar com a duração do quadro, ajustando as tomadas em um décimo ou centésimo de segundo para obter um movimento suave e fluido.
Método 3 de 3: finalizando seu filme (pós-produção)
Etapa 1. Grave qualquer diálogo para o filme final
Agora que você tem a animação quase finalizada, é hora de acertar os vocais. Seus atores de voz podem ver a cena final, as expressões de seus personagens e o tempo que você deseja em sua cena final. Isso permite que eles (ou você) forneçam o melhor desempenho vocal.
Observe que, neste ponto, qualquer alteração na animação pode ser muito demorada. É por isso que uma pré-produção cuidadosa é essencial para um filme de animação de qualquer duração
Etapa 2. Adicione efeitos sonoros quando apropriado
Os efeitos sonoros devem vir após os dubladores e ajustados no volume apropriado, de modo que não superem o diálogo. Existem algumas exceções a esta regra, é claro. Por exemplo, se houver uma explosão à qual os personagens precisam reagir, pode ser melhor colocá-la primeiro, antes de gravar o diálogo. Isso ajuda os atores com reações.
A mixagem de som é uma forma de arte importante e sutil. Invista em um bom par de fones de ouvido e / ou alto-falantes para ajustar todos os volumes corretamente
Etapa 3. Corte o filme em sua visão final
Agora que você juntou o filme inteiro, como ele está? É provável que algumas das transições pareçam desajeitadas e uma ou duas cenas durem mais do que deveria. Assim como você editaria qualquer filme de ação ao vivo, você precisa ter um olhar crítico para sua peça animada e polir até que ela brilhe. Embora não haja uma maneira "correta" de editar um filme, existem alguns princípios a serem considerados:
- Alguma cena parece rápida e essencial? Você se sente engajado o tempo todo? Uma linha ou cena específica ajuda a mover a história ou o tema? Se a resposta a alguma dessas perguntas for não, comece a aparar. Freqüentemente, a primeira e a última linha do diálogo não são essenciais, pois pular direto para dentro / fora de uma cena costuma ser mais envolvente. Cada quadro conta durante a edição.
- Assistir ao filme com quem está distante do projeto. Houve partes que ficaram entediadas? Algo os confundiu ou precisou de mais tempo? Como você pode cortar e ajustar sua história para torná-la o mais envolvente possível?
- Como a cena flui junto? Às vezes, 2-3 segundos de filmagem de fundo ajudam o espectador a recuperar o fôlego e mergulhar na próxima cena antes que o diálogo comece.
Etapa 4. Adicione seus toques de polimento, como efeitos, transições e correção de cores
Por exemplo, se você quiser um tom sépia dos velhos tempos em seu filme, adicione-o por último. Esses tipos de pequenas alterações são desnecessários enquanto você corta, corta e constrói seu filme. Além disso, eles serão inúteis se você cortar a cena ou mudar o esquema de cores. Todos esses toques minuciosos precisam vir por último, uma vez que você tenha certeza de que a "carne" do filme está pronta.
- Adicione wipes, dissolves ou fade-ins às transições de cena.
- Adicione quaisquer filtros ou efeitos sobre a filmagem finalizada.
- Adicione títulos e créditos ao início e ao final, conforme necessário, bem no final.
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Pontas
- Trabalhe em pequenos pedaços para obter os melhores resultados - uma cena, uma ação, etc. - e construa-os juntos mais tarde.
- Leve o seu tempo na pré-produção. Isso vai poupar muitas dores de cabeça mais tarde.
- Faça um filme de teste, não mais do que 20-30 segundos, se estiver apenas começando com um novo software. Isso ajuda você a aprender o programa e os desafios antes de mergulhar em sua visão.
