Fazer um filme pode ser algo que você está fazendo para se divertir com os amigos ou como algo que leva a sério. De qualquer forma, é um processo que leva um pouco de tempo, entre a escolha de um roteiro, a escalação de seus atores e a filmagem do filme real, mas uma vez que você tenha entendido o básico, estará pronto para prosseguir. Veja a etapa 1 para iniciar o processo de direção.
Passos
Parte 1 de 4: Preparação para a filmagem
Etapa 1. Escolha um script
Um bom roteiro pode fazer até um diretor medíocre parecer bom, então escolha com sabedoria. Você também pode escrever um roteiro, se for algo de que goste e em que seja bom. Quando você está escrevendo ou escolhendo um script, há algumas coisas a observar que podem ajudá-lo a escolher o melhor script possível.
- A estrutura é a chave para uma boa história. A estrutura de três atos é um recurso comumente usado para que os roteiristas inventem uma boa história. Funciona assim: configuração (Ato 1), confronto (Ato 2), resolução (Ato 3). Pontos de inflexão importantes acontecem no final do Ato 1 e do Ato 2.
- Um bom script mostra mais do que conta. Você quer que seu público adivinhe o que está acontecendo com base na linguagem corporal dos atores, o que estão vestindo, o que fazem e como dizem as falas. Os roteiros são, por natureza, extremamente visuais.
- Cada cena deve ser encabeçada por uma linha de slug, que indica se a cena é interna ou externa, se é noite ou dia e onde está. (Por exemplo: INT. SALA DE ESTAR - NOITE.)
- Ao descrever a ação, tudo o que você está descrevendo é o real, o factual do que será visto na tela. Por exemplo, em vez de dizer "John entra na sala. Ele está com raiva porque sua namorada o deixou", você diria "John entra na sala. Ele bate a porta atrás de si e chuta o sofá".
Etapa 2. Faça um storyboard de seu script
O storyboard é extremamente importante para que você saiba a melhor forma de direcionar cada cena, quais ângulos de câmera você deseja, como deseja que se pareça. Você não precisa se limitar ao storyboard durante a filmagem, mas ele lhe dará um ponto de partida.
- As coisas que você cobrirá são: quais personagens estão em cada quadro, quanto tempo passou entre o quadro atual e o anterior, onde a câmera está no quadro (como é a imagem).
- Seu storyboard não precisa ser perfeito. Ele simplesmente precisa dar uma ideia do script e de como ele deve ser filmado.
- Decida o tom do seu filme. Um filme corajoso sobre um detetive particular na década de 1920 terá uma sensação muito diferente de uma comédia despreocupada sobre os perigos da paternidade. Uma ótima maneira de fazer seu filme falhar é mudar o tom no meio do caminho, de modo que a comédia alegre de repente se torne uma tragédia sem aviso prévio. Isso não significa que uma comédia não possa ter elementos de tragédia, ou vice-versa, mas seu filme, especialmente se você for novo na direção, deve se limitar a um tom.
Etapa 3. Obtenha financiamento para o seu filme
Você não pode fazer um filme sem algum tipo de financiamento, especialmente se quiser que seja um filme a ser assistido por outras pessoas que não sua família. O equipamento de filmagem custa dinheiro, você vai precisar de adereços, locações, atores e técnicos. A maioria dessas coisas custa dinheiro.
Se você está seguindo a rota do cinema independente, ainda assim deve tentar encontrar um produtor para o seu filme, alguém que acertará o financiamento e indicará os locais de filmagem
Etapa 4. Elenco atores para cada papel
Se você está com pouco financiamento, provavelmente terá que fazer o elenco sozinho, mas por outro lado, é uma boa ideia contratar um diretor de elenco para fazer esse trabalho. Normalmente, um diretor de elenco tem acesso a mais caminhos para encontrar os atores adequados para o seu filme.
- Você quer pessoas que já estiveram em outros filmes e entendam como isso funciona. Atores de teatro não são ótimos para isso, já que atuar em um teatro e atuar em um filme é incrivelmente diferente.
- Existem bons atores emergentes que não são muito caros. O que você procura é carisma e talento. Isso geralmente significa não apenas escalar seus amigos para os papéis (a menos que você esteja dirigindo um filme apenas para se divertir, nesse caso, divirta-se).
Etapa 5. Encontre os locais, acessórios e materiais
Os filmes exigem locais (um quarto, uma sala de estar, uma esquina, um jardim, etc.) para filmar. Às vezes, você pode filmar nesses locais gratuitamente e às vezes tem que pagar. Da mesma forma, você precisará de adereços, fantasias, maquiagem e materiais para a filmagem (um microfone, câmeras, etc).
- Se você tiver um produtor, é isso que eles farão. Certifique-se de que tem tudo o que precisa e a permissão para filmar em determinados locais. Caso contrário, você terá que fazer isso sozinho.
- Se você está com um orçamento muito baixo, converse com amigos e familiares. Talvez você conheça alguém que seja bom em maquiar para maquiar para você, ou talvez sua tia tenha um monte de roupas de época no sótão.
Etapa 6. Planeje adequadamente
Se você não tem uma visão clara e um plano de como vai filmar, como vai ficar, vai ser um processo de filmagem difícil. Você precisa ter as especificações definidas e precisa saber todas as coisas a fazer para tornar o processo de filmagem bem-sucedido.
- Crie uma lista de fotos. Esta é basicamente uma lista numerada de todas as tomadas do filme que descreve o enquadramento, a distância focal, o movimento da câmera e coisas que você precisa ter em mente (como possíveis preocupações com a filmagem). Você também pode dobrar isso com o storyboard, o que funcionar melhor para você.
- Crie uma análise de script. Este é basicamente o processo no qual você identifica cada item necessário para gravar o filme, incluindo localização, adereços, quaisquer efeitos, etc. Novamente, será mais fácil se você tiver um produtor para ajudá-lo com isso.
- Explorador de tecnologia com todo o seu pessoal de tecnologia. Isso significa ir às locações do filme e revisar cada cena com o seu pessoal de tecnologia para que todos saibam exatamente o que esperar de cada cena. Você pode discutir os problemas que podem surgir (coisas como iluminação específica, problemas de som, etc.).
Etapa 7. Programe as fotos
Se você conseguir um bom primeiro AD (assistente de direção), você vai querer. Eles são a pessoa que grita com os atores se necessário e que faz coisas como, anota todas as anotações durante o scout técnico e que agenda todas as tomadas.
Agendar as cenas basicamente significa definir a agenda de quando as cenas serão filmadas. Isso quase nunca ocorre em ordem cronológica, mas geralmente tem mais a ver com iluminação ou configurações de câmera
Parte 2 de 4: Trabalhando com os Atores
Etapa 1. Pratique o roteiro antes de filmar
Parece uma etapa muito óbvia, mas é muito importante. Quando você chega à parte da filmagem, quer que os atores se sintam confortáveis com suas falas e bloqueios.
- Comece com um roteiro executado, onde você e seus atores se sentam ao redor de uma mesa e examinam cada cena. Eles ficarão mais confortáveis com as palavras e com você e uns com os outros, o que tornará a parte da filmagem muito mais fácil.
- Atores realmente talentosos não precisam necessariamente de muito ensaio antes de filmar e pode ser melhor não ensaiar demais cenas altamente emocionais para que estejam frescas para a filmagem real, mas isso só funciona com atores experientes e talentosos, então se você está trabalhando com atores amadores, praticar o roteiro antes de filmar é uma boa ideia.
Etapa 2. Certifique-se de que os atores aprenderam suas falas
Um ator não pode ter uma atuação impressionante sem conhecer seu roteiro de trás para frente. Você não quer que eles apareçam repentinamente no dia da filmagem sem terem aprendido suas falas. É por isso que os ensaios são tão importantes.
Etapa 3. Explique o subtexto em cada cena
Isso significa o que está acontecendo na cena além de simplesmente o diálogo. Também dirá ao ator quais são as verdadeiras intenções de seu personagem, na cena e no filme, o que determinará como você os dirigirá.
- Menos é mais atuar em um filme. O que você quer para seus atores é uma presença forte que se mostra mesmo quando eles não estão fazendo nada. Um ator que pode atrair espectadores para o personagem sem fazer muito.
- Por exemplo: John, nosso protagonista raivoso de cima, vai ser interpretado de forma diferente dependendo se ele odeia sua namorada por deixá-lo, ou se ele ainda está apaixonado por ela (ou ambos).
Etapa 4. Fique calmo, focado e claro
O clichê do diretor furioso e gritando é apenas isso, um clichê. Como diretor, você é o responsável (se não tiver um produtor), o que significa que todos vão estar olhando para você em busca de uma direção clara e calma.
- É por isso que o storyboard e a análise do script são tão importantes. Você pode consultá-los para cada cena e para mostrar sua visão àqueles que estão trabalhando para você.
- Lembre-se de que um filme é feito com base nas contribuições de muitas pessoas diferentes, mesmo que o diretor e os atores recebam a maior parte do crédito. É melhor não se comportar como se você fosse a coisa mais importante no set, quando estiver lidando com seu elenco e equipe.
- Você terá uma experiência melhor dirigindo o filme se for gentil e respeitoso com todos que estão trabalhando nele.
Etapa 5. Dê instruções específicas
Isso é para os atores. Se você explicou o subtexto para seus atores e sua visão para o filme, não deve haver muito problema para eles fazerem o que precisam fazer em suas cenas, mas é importante que você dê instruções específicas, mesmo aqueles como "tente essa linha novamente mais rápido."
- Faça anotações abundantes. Em sua lista de tomadas, anote coisas específicas essenciais para a câmera que você deseja que seus atores façam. Quanto mais claro e detalhado você puder ser em seus comentários e solicitações, mais fácil será para os atores e a equipe acompanharem sua visão.
- Dê feedback negativo ou detalhado aos atores em particular. Você pode até fazer isso quando outras pessoas estão por perto, contanto que apenas o ator que está recebendo o feedback o esteja ouvindo. Dessa forma, ninguém fica constrangido ou ofendido.
- Certifique-se de dar feedback positivo. Os atores gostam de saber que seu trabalho está sendo apreciado e que estão fazendo a coisa certa. Certifique-se de informá-los disso, mesmo que seja algo tão simples como "Eu realmente gostei do que você fez na última cena; vamos tentar isso quando estivermos filmando a cena".
- Às vezes, se você tem um ator realmente bom, é melhor deixá-los fazer suas próprias coisas, sem muita direção. Embora nem sempre vá na direção que você planejou, as cenas e o próprio filme têm a possibilidade de seguir uma direção nova e renovada.
Parte 3 de 4: gravando o filme
Etapa 1. Conheça os diferentes tipos de fotos e ângulos de câmera
Ao dirigir, você precisará conhecer os diferentes tipos de tomadas, ângulos e movimentos da câmera para saber como filmar cada cena e o que está tentando obter de cada cena. Diferentes ângulos e tipos de tomadas mudam a sensação de uma cena.
- Enquadramento (ou duração da tomada): tomada longa extrema (geralmente uma tomada de estabelecimento, de até 400 metros de distância), tomada longa (esta é uma tomada em "tamanho real" que corresponde à distância entre o público e a tela de um cinema; concentra-se nos personagens e nas imagens de fundo), foto média (normalmente usada para cenas de diálogo ou um close-up de uma determinada ação e geralmente contém 2 a 3 personagens da cintura para cima), close-up (esta cena se concentra em um rosto ou objeto com o fundo como um desfoque, geralmente usado para entrar na mente de um personagem), close-up extremo (geralmente focaliza um detalhe específico como uma boca ou olhos, geralmente usado para algum tipo de efeito dramático).
- O ângulo da câmera designa a relação entre a câmera e tudo o que está sendo filmado e fornece informações emocionais ao público sobre o objeto ou personagem na filmagem. Visão aérea (mostra uma cena diretamente de cima, colocando o público em uma posição divina, além de tornar as coisas normais irreconhecíveis), ângulo alto (isso tem a câmera acima da ação usando um guindaste e dá uma espécie de visão geral de o que está acontecendo), ao nível dos olhos (este é um ângulo mais neutro com a câmera agindo como outro humano observando a cena), ângulo baixo (tende a fazer o público sentir uma sensação de impotência ou confusão e quando está olhando para um objeto que pode inspirar medo ou desorientação), ângulo oblíquo / inclinado (usado em muitos filmes de terror, esta tomada inspira uma sensação de desequilíbrio, transição e instabilidade).
- Os movimentos da câmera fazem com que a ação pareça mais lenta do que os cortes rápidos, mas também pode ter um efeito mais "realista". Panorâmicas (verifica uma cena horizontalmente), inclina (verifica uma cena verticalmente), fotos de dolly (também conhecidas como fotos de rastreamento / transporte, em que a câmera segue a ação em um veículo em movimento de algum tipo), fotos com as mãos (a câmera Steadicam faz com que as fotos na mão sejam menos espasmódicas, enquanto ainda instilam uma sensação de imediatismo e realismo), fotos de guindaste (isso é mais ou menos uma foto de dolly no ar), lentes de zoom (isso muda a ampliação da imagem, mudando o posição do público lenta ou rapidamente), tomada aérea (uma tomada semelhante à tomada de guindaste, mas tirada de um helicóptero e geralmente usada como tomada de estabelecimento no início do filme).
Etapa 2. Entre na hora da chamada
É basicamente quando a equipe chega para preparar tudo. Se você tem um diretor assistente, não é realmente necessário que você esteja lá, mas é uma boa ideia mostrar de qualquer maneira. Você pode começar a pensar sobre as tomadas do dia e a considerar a melhor forma de fazê-las e se precisa mudar alguma coisa.
Etapa 3. Ensaie a cena
Antes de começar a filmar a cena e enquanto sua equipe de tecnologia está configurando o equipamento, conduza os atores durante a cena e descubra o que eles farão em relação à câmera (onde eles estarão, que tipo de fotos que você usará, como eles vão dizer suas falas).
Experimente o visor para testar a aparência das diferentes fotos. Neste ponto, você pode querer alterar e redefinir algumas de suas cenas e tomadas para obter a melhor cena possível
Etapa 4. Prepare a tacada
Para cada tomada, você precisará saber a distância focal, o posicionamento da câmera, as marcas dos atores (onde eles precisam estar, etc), quais lentes usar e o movimento da câmera. Você montará a cena, usando todas essas diferentes considerações, com seu diretor de fotografia.
Agora, dependendo do tipo de diretor que você é e do tipo de diretor de fotografia que você tem (talvez seja você quem está decidindo as tomadas), você precisará dar mais ou menos direção. Discuta com eles a iluminação e o trabalho da câmera até que a foto esteja pronta para ser tirada
Etapa 5. Filme a cena
A filmagem não leva muito tempo e geralmente é uma cena curta que está sendo filmada. Você percorre a cena, usando o movimento da câmera, o posicionamento etc. que já havia coberto com o seu diretor de fotografia. Quando você chama cut, você está pronto para examinar a tomada para ver como foi.
Etapa 6. Revise a tomada
Rever a tomada no monitor de vídeo imediatamente permite que você considere como tornar a cena melhor, o quão perto a cena chega da sua ideia original. Em seguida, você repetirá a cena até que ela resista ao seu escrutínio.
Isso é muito diferente de revisar tomadas na sala de edição posteriormente. Lá você tem tempo, clareza e perspectiva para ver cada coisa que poderia ter feito para tornar aquela cena melhor
Parte 4 de 4: finalizando
Etapa 1. Edite o filme
O que você está tentando fazer neste ponto é montar as edições do filme de uma forma contínua, suave e coerente. Como regra geral, você deseja interromper a ação, para que não haja muito da falta de ação entediante o público. Isso significa que você corta de uma cena para outra à medida que a ação é executada (como João abrindo a porta da sala de estar). Você vai juntar as tomadas com a primeira parte do movimento de John na tomada ampla e a segunda parte em uma tomada mais fechada.
- O corte no movimento do quadro cruzado é típico em uma tomada de revelação. Por exemplo, uma tomada média em dois homens conversando, um homem se move e revela um close-up no rosto do vilão.
- Corta para um quadro vazio, onde o assunto entra. Por exemplo, isso é freqüentemente usado com alguém saindo de um carro, onde você só vê o pé. O pé se move para a moldura vazia.
- Lembre-se, enquanto você está cortando, leva cerca de 2 frames do filme (equivalente a cerca de 1/12 de segundo) para que os olhos do público mudem de um lado para o outro da tela.
- Se você é novo na edição de filmes, há uma tonelada de programas e recursos de edição gratuitos que você pode encontrar online.
Etapa 2. Faça a composição da música
Para sua trilha sonora, você deve verificar se ela funciona bem com o filme. Não há nada pior do que uma trilha sonora que não condiz com o tom e a aparência de um filme. Quando você estiver discutindo a composição musical com seu compositor, converse sobre coisas como estilo de música, instrumentação, velocidade da música, pistas musicais, etc. Um compositor precisa saber sua visão para o filme para fazer uma trilha sonora apropriada.
- Ouça as faixas demo que um compositor oferece, para que você possa acompanhar como está chegando e onde é necessário fazer alterações.
- Agora, se você está fazendo a música sozinho, precisa ter certeza de que não está roubando músicas com direitos autorais para o seu filme, porque você pode ter problemas por isso. Muitas vezes você pode encontrar compositores baratos em sua cidade. Não será de nível profissional (mas seu filme provavelmente também não será), mas ainda pode soar bem.
- Existe uma diferença entre trilha sonora e pontuação. A trilha sonora é uma música previamente gravada que se encaixa em uma cena ou sequência por meio de conteúdo, ritmo e clima. Score é a música que acompanha especificamente certas imagens ou motivos em um filme (como o "tema do tubarão" em Tubarão).
- Se você tem um orçamento apertado, pode encontrar músicas online isentas de royalties para usar em seu filme.
Etapa 3. Adicione a mixagem de som
Isso significa ter certeza de que a trilha sonora se adequa ao filme finalizado e editado. Também significa entrar e adicionar sons que precisam ser adicionados ou melhorar os sons já existentes. Você pode editar sons que não deveriam estar lá (como um avião passando por cima) ou editar sons que deveriam.
- Som diegético significa que um som é feito por algo que o público pode ver na imagem ou na tomada. Embora isso geralmente seja capturado quando você está filmando, quase sempre é aprimorado mais tarde, além de adicionar coisas como som ambiente (ao ar livre) e tom da sala (dentro de casa) para encobrir coisas como um avião passando por cima, mas para fazer o ruído de fundo não silêncio absoluto.
- Som não diegético significa que um som vem de fora da imagem, como em uma narração ou em uma partitura musical.
Etapa 4. Mostre seu filme concluído
Agora que você filmou e editou seu filme e adicionou todos os sons diferentes, você está pronto para exibi-lo. Às vezes, isso significa reunir alguns amigos e familiares e mostrar seu trabalho árduo, mas geralmente você também pode encontrar outros caminhos, especialmente se for algo importante para você.
- Muitas cidades e estados têm festivais de cinema nos quais você pode participar. Dependendo da qualidade do filme, ele pode até ganhar, mas pelo menos um público mais amplo do que sua família e amigos verão.
- Se você tem um produtor, geralmente isso é algo em que ele estará trabalhando e, normalmente, você não terá recebido luz verde para o seu projeto se não houver algum tipo de distribuição programada após sua conclusão.
Pontas
- Ao corrigir os atores, seja firme, mas não sarcástico. Você precisa que seus atores o respeitem.
- Ter aulas de atuação é uma ótima maneira de os diretores aprenderem os meandros de ser um ator e tornará muito mais fácil dirigi-los, já que você conhece os métodos e a terminologia com que eles podem estar trabalhando.
- Se você realmente quer ser um diretor, deveria estudar os filmes que adora para ver como o filme foi filmado e como os atores foram dirigidos. Você deve ler roteiros e livros sobre filmes como Grammar of Film Language.
- Deixe os atores darem sugestões, mas seja firme, pois esta é a sua produção de filme.
- Não tenha medo de mudar o roteiro se você não gostar - afinal, é o seu filme. Seja criativo!
Avisos
- Se seus atores não se sentirem confortáveis com você, você não terá uma boa experiência ou um bom filme.
- Você não vai fazer um Blockbuster na primeira vez que dirige um filme. Se você leva isso a sério (e não apenas se divertindo, o que é totalmente bom!), Você precisará trabalhar muito e provavelmente cursar uma escola de cinema.
