4 maneiras de escrever, dirigir e editar seu próprio filme

2024 Autor: Robert Blare | [email protected]. Última modificação: 2023-12-17 07:59

Você já quis fazer seu próprio filme? Escrever, dirigir e aprender a editar seu próprio filme é uma proposta assustadora, mas dá a você o controle criativo máximo de sua criação. Você deve estar pronto para trabalhar muito apenas para fazer seu filme, mas também deve estar pronto para se divertir muito. Então pegue alguns amigos, pegue uma câmera e prepare-se para rodar-- Hollywood está chamando.

Passos

Método 1 de 4: escrevendo seu filme

Etapa 1. Tenha uma ideia

A menos que você tenha uma imaginação do tamanho da Oceania, essa será a parte mais difícil. Ter a ideia para o seu filme, entretanto, não precisa ser um confronto intenso com a Musa Artística. Tente obter uma boa frase, como a que você lê na descrição de um filme, para basear seu filme. Qual é o conflito, personagem ou história que você deseja contar? Lembre-se de algumas coisas ao planejar:

• Quanto menor, melhor - se você mesmo estiver filmando, todos os personagens, locais e efeitos especiais extras precisarão ser financiados e descobertos em algum ponto.
• Que gênero você está buscando? Comédia? Ficção científica? Drama? Depois de conhecer seu gênero, você pode começar a pensar em enredos e personagens que se encaixam nele.
• Quais são as combinações de filmes que você não viu? Embora pareça infantil, quase todos os filmes e programas de TV são híbridos de outros filmes, programas de TV e gêneros. Por exemplo, Crepúsculo é um romance de Vampiro + Romance. Você já viu um bom faroeste de comédia? Que tal um stoner sci-fi? Como você pode combinar seus interesses de maneiras inesperadas?
• Onde você tem experiência? Você pode comentar o dia a dia de um trabalhador de escritório de forma original? Você sabe mais sobre golfe do disco do que qualquer outra pessoa? Existe algum filme sobre essas experiências em algum lugar?
• Procure por "linhas de registro" para seus filmes favoritos para se inspirar. Esta é uma sinopse semelhante de uma frase de filmes usados para vender o roteiro para executivos de cinema. Você pode pesquisar 1000 deles online.

Etapa 2. Invente seus personagens

Personagens conduzem histórias. Quase todos os filmes são o resultado de um personagem que deseja algo, mas não consegue. O filme então mostra as provações e tribulações do (s) personagem (s) enquanto eles tentam realizar seus desejos (pegar a garota, salvar o mundo, se formar na faculdade, etc.). O público se relaciona com o personagem, não com seu filme, então você precisa para ter certeza de ter bem pensado os personagens antes de começar. Bons personagens:

• São redondos.

  Isso significa que eles têm múltiplas facetas, não apenas um "homem zangado" ou uma "heroína forte". Personagens redondos têm pontos fortes e fracos, o que os torna compreensíveis para o público.

• Tenha desejos e medos.

  Mesmo que haja apenas um de cada, um bom personagem deseja algo, mas não consegue obtê-lo. Sua habilidade ou incapacidade de superar seu medo (de ser pobre, de estar sozinho, de alienígenas do espaço, de aranhas, etc.) é o que impulsiona seu conflito.

• Tenha agência.

  Um bom personagem não é manipulado porque seu roteiro precisa que ele vá a algum lugar. Um bom personagem faz escolhas que impulsionam a trama. Às vezes, essa é apenas uma escolha que direciona todo o resto (Llewellyn, No Country for Old Men), às vezes é uma série de boas / más escolhas em cada cena (American Hustle).

Etapa 3. Esboce os principais pontos da trama de seu filme

Algumas pessoas gostam de inventar personagens e uma premissa e então começar a escrever. Todos os roteiristas, entretanto, veem o valor do enredo de 5 pontos, onde 5 pontos chave, momentos crescentes compõem o filme. Quase todos os filmes feitos seguem essa estrutura geral, de Jurassic Park e Just Friends a Jupiter Ascending. ' Isso não significa que seu script deve seguir este modelo, mas existe um método para a loucura. Existem 5 momentos principais em cada filme que caem exatamente no mesmo lugar, e você precisa de um bom motivo para se desviar desse sistema se quiser ser "original":

• A configuração:

  Quem são seus personagens, onde moram e o que querem? Estes são os primeiros 10% ou menos do seu filme.

• A Mudança de Planos / Oportunidade / Conflito:

  Acontece algo que coloca seu conflito em movimento - Erin Brockovich consegue um emprego, a escola de Superbad dá uma festa, Neo é apresentado a Matrix, etc. Esta é aproximadamente a marca de 1/3 do seu roteiro.

• O ponto de não retorno:

  Até este ponto, os personagens estão trabalhando muito para tornar seus objetivos uma realidade. Mas, na metade do filme, algo acontece que torna impossível voltar atrás. Um vilão de Bond ataca novamente, o Gladiador chega em Roma, Thelma e Louise roubam sua primeira loja, etc.

• O principal retrocesso:

  Desde o ponto sem retorno, as apostas aumentaram. Para os personagens e o público, toda esperança parece perdida. É quando a garota e o cara se separam em todas as comédias românticas já feitas, quando Ron Burgundy é demitido em Anchorman e John McClane é espancado e sangrento em Die Hard. Isso chega na marca de 75% da sua história.

• O auge:

  Os personagens fazem um último esforço total para alcançar seus objetivos, culminando em seu maior desafio de todos. Este é o momento da corrida pelo aeroporto, os buracos finais em Caddyshack ou o confronto entre o herói e o vilão. Uma vez resolvido, os últimos 10% do script amarram pontas soltas e mostram as consequências do clímax.

Etapa 4. Escreva seu script

Se você está produzindo o filme sozinho, pode usar qualquer formato de escrita que desejar. No entanto, softwares de escrita de roteiros como Celtx, Writer Duets e Final Draft irão ajudá-lo a obter uma formatação com qualidade de estúdio, juntamente com ferramentas específicas para roteiristas. Esses programas serão formatados automaticamente para você e são uma ótima maneira de saber a duração do seu filme - 1 página de script formatado equivale a aproximadamente 1 minuto de tela.

• Dê a si mesmo algumas notas sobre coisas como cenário, cenário e atores, mas concentre-se principalmente no diálogo. Você tomará as outras decisões mais tarde, quando tiver câmeras, atores e locações.
• Prepare-se para reescrever também. É quase impossível obter todos os seus momentos - personagens, enredos, temas, piadas, etc. - logo de cara. Quando terminar, volte ao script e tente lê-lo objetivamente. Você assistiria este filme?

Etapa 5. Faça uma leitura de tabela para melhorar sua escrita

A leitura da mesa é essencial para aprimorar um bom roteiro e se preparar para filmar. Reúna alguns amigos ou atores e dê a cada um deles um roteiro com 2 a 3 dias de antecedência. Em seguida, convide-os e faça uma simulação do filme inteiro, fazendo com que falem as partes enquanto você ou outra pessoa narra as ações. Faça anotações de quaisquer linhas que pareçam não naturais ou estranhas, onde uma cena é insuficiente e quanto tempo o roteiro leva para ser lido.

• Pergunte aos atores / amigos o que eles acharam. Onde eles ficaram confusos, o que eles amam? Pergunte se eles achavam que seu caráter foi bem pensado e consistente.
• Tente não desempenhar um papel e apenas escute. Você ouve seu filme ganhando vida? Parece que você esperava que fosse? Você quer ouvir esses momentos agora, não quando as câmeras ligam.

Método 2 de 4: Preparação para produção

Etapa 1. Faça uma lista de todos os seus equipamentos e necessidades de equipamentos

Fazer um filme requer muitos equipamentos, incluindo câmeras, microfones e luzes. Faça um inventário rápido do que você tem para equipamentos e, em seguida, encontre maneiras de preencher os buracos:

• Máquinas fotográficas:

  Claro, você nunca poderia filmar um filme sem uma câmera. Para a maioria dos filmes, você precisa de pelo menos 2 câmeras, de preferência 3. Dito isso, os avanços modernos das câmeras tornaram possível gravar um filme com um iPhone 6, então você não precisa perder muito dinheiro. O mais importante para um filme profissional é ter câmeras que filmem no mesmo formato (1080i, por exemplo), caso contrário, a qualidade do vídeo mudará sutilmente a cada corte. Se você está com orçamento limitado, geralmente pode se safar usando seu telefone ou uma câmera DSLR padrão.

• Microfones:

  Se você estiver em apuros, gaste seu dinheiro em equipamento de áudio: o público percebe um som ruim antes de um vídeo ruim. Embora você possa usar os microfones de câmera acoplados, se necessário, um microfone Tascam ou shotgun é sempre um investimento que vale a pena.

• Iluminação:

  Se você conseguir um kit de iluminação de 3-5 peças, use-o. Essas luzes têm uma variedade de funções e configurações que o ajudam a iluminar qualquer situação imaginável. No entanto, 5 a 10 lâmpadas de grampo baratas e cabos de extensão iluminaram muitos filmes independentes. Tudo que você precisa são luzes e lâmpadas diferentes (tungstênio, fosco, LED, etc.) para personalizar sua cena.

• Acessórios essenciais:

  Dependendo do filme, você precisará de cartões de memória, um disco rígido de backup, tripés, refletores de luz, cabos de extensão, fita preta (para cobrir ou prender os fios) e software de edição de vídeo de computador.

Etapa 2. Faça um storyboard para cada cena

Os storyboards se parecem um pouco com histórias em quadrinhos grosseiras - você desenha a cena geral e, em seguida, adiciona o diálogo que precisa ser dito abaixo. Você pode baixar modelos online facilmente e desenhá-los antes de uma sessão de fotos. Os storyboards são como listas de verificação durante a filmagem, ajudando a capturar cada cena de que você precisa para que, ao editar, não perceba de repente que está perdendo alguma coisa.

• Cada quadro que você desenha se torna sua lista de fotos - um livro detalhado com todos os ângulos de câmera que você precisa capturar para contar sua história. Assim que seu storyboard estiver concluído, copie-o e coloque-o em um fichário para referência posterior.
• Faça anotações de cortes e transições e efeitos sonoros essenciais. Esses desenhos não precisam ser arte, eles precisam contar a história do seu filme visualmente.
• Isso pode parecer tedioso, mas vai economizar tempo no set, o que rapidamente fica caro.

Etapa 3. Encontre seus conjuntos e locais

Existem muitas escolas de pensamento sobre a escolha de conjuntos, e nenhuma delas está errada. Você pode construir seus próprios conjuntos para o controle criativo final, mas isso leva tempo e muito dinheiro. Você pode filmar em casas e locais de fácil acesso, como a casa ou o quintal de um amigo. Como alternativa, você pode alugar os espaços que adora, obtendo os direitos de filmagem em uma escola, hotel ou parque. Não importa o que você faça, certifique-se de que seu cenário se encaixa no filme e permitirá que você e sua equipe assumam o lugar por várias horas, sem serem perturbados.

Etapa 4. Use seu storyboard e lista de equipamentos para fazer seu orçamento

Este pode ser o momento que todo cineasta mais odeia, mas você precisa de uma ideia realista do custo do seu filme antes de começar a filmar. Você não quer, por exemplo, chegar na metade das filmagens e perceber que não pode mais alugar um carro para a cena de perseguição climática. Mantenha seu orçamento simples e realista. Você realmente precisa de 10 armas auxiliares ou pode fazer com 2? Você pode eliminar ou mudar uma cena com 100 extras para ter 10? Você precisa fazer um orçamento para:

• Equipamento que você não possui atualmente.
• Acessórios, fantasias e locais (como alugar um salão de baile ou restaurante).
• Honorários da tripulação e do ator. É possível conseguir equipes e atores de graça, mas é raro conseguir que as pessoas ajudem por mais de 1 a 2 dias sem remuneração. Você pode oferecer favores em troca da ajuda deles em uma produção mais curta.
• Custos de alimentação e transporte para você, a equipe e os atores.
• Saiba que, para uma filmagem "profissional", com equipe e atores pagos, você deve orçamentar, no mínimo, US $ 5 mil por dia.

Etapa 5. Contrate atores e membros da equipe

Você tem seus personagens, sua lista de tiro e o equipamento necessário - agora você precisa de alguém para usar tudo. Como escalar atores é uma escolha pessoal - você pode fazer audições usando o Craigslist ou postagens de jornais, visitar teatros locais ou envolver seus amigos. Quanto aos membros da tripulação, há uma variedade de postagens que você precisa preencher:

• Diretor de Fotografia (DP):

  Provavelmente o trabalho mais importante, eles são responsáveis pelas câmeras e luzes. Enquanto você dirige os atores e dá a palavra final sobre a cena, eles lidam com os aspectos técnicos do filme. Você precisa de alguém que entenda de lentes, câmeras e iluminação, mesmo que seja apenas um amigo que goste de fotografia. É muito, muito difícil iluminar efetivamente uma cena, um lugar, câmeras, assistir os atores e definir o cenário ao mesmo tempo, então peça a alguém que possa tirar um pouco da carga de você e permitir que você dirija.

• Diretor Assistente (AD): Programa as tomadas, garante que a lista de tomadas seja coberta, filma pequenas cenas se o diretor estiver ocupado. Pode ajudar no orçamento também.

• Operadores de câmera e microfone:

  Autoexplicativo, mas essencial. Você não pode fazer um filme sem eles.

• Artista de maquiagem:

  Embora qualquer pessoa possa fazer isso, sua principal tarefa é a continuidade. A menos que muito tempo passe em seu filme, você precisa que o rosto e os trajes do ator pareçam idênticos em todas as cenas, caso contrário, o público perceberá as mudanças. Tire fotos todos os dias da fantasia, maquiagem e cenas para ter certeza de que tem a mesma aparência.

• Engenheiro de som:

  Ouça todo o som conforme está sendo gravado, certificando-se de que está correto. Eles também posicionam os microfones para captar o diálogo após as luzes serem colocadas.

• Linha de Produção:

  Verifica os locais com antecedência, garante que as licenças e contratos sejam redigidos e assinados.

• Assistente de produção:

  Sempre úteis, essas pessoas fazem tudo o que precisa ser feito - preparar comida e café, limpar cartões de memória e até mesmo segurar uma câmera quando necessário. Você nunca pode ter membros da tripulação suficientes.

Etapa 6. Assinar contratos

Não importa com quem você está trabalhando ou qual é o projeto - faça com que um contrato seja assinado. Isso protege você em caso de acidentes, obriga legalmente as pessoas a assistirem seu filme até o fim e evita processos judiciais no caso de o filme ser pego. Você pode pesquisar on-line por "Contrato de filme de ator", "Contrato de produtor" etc. e adaptá-lo às suas necessidades com facilidade e liberdade, portanto, não economize nesta etapa.

• Os contratos são, paradoxalmente, uma ótima maneira de preservar amizades. Em vez de discutir sobre algo mais tarde, você pode simplesmente retornar ao que já escreveu.
• Certifique-se de ter uma cláusula, especialmente para os atores, que os obrigue a terminar o filme assim que começarem a filmar.

Etapa 7. Faça sua programação de filmagem

Realisticamente, a menos que você tenha apenas algumas pessoas em seu roteiro e 1 a 2 locais, você só terá de 5 a 10 páginas de seu roteiro prontas em um bom dia. Para cenas grandes ou difíceis, você pode obter apenas 2 a 3 páginas. Quanto mais tempo você gastar filmando, melhor, mas quanto mais tempo você gasta filmando, mais dinheiro você gastará também. Como você equilibra isso depende de alguns fatores:

• Quais cenas acontecem no mesmo local? Você pode filmá-los, mesmo que estejam fora de serviço, no mesmo dia?
• Quais cenas têm listas de filmagens enormes? Fazer isso primeiro pode garantir que você obtenha as cenas "grandes" do jeito que você deseja.
• Alguma injeção é dispensável se o tempo / dinheiro estiver se esgotando? Coloque estes por último.
• Essa programação pode, e provavelmente terá, que ser fluida. Porém, quanto mais você puder cumprir, melhor.

Método 3 de 4: filmando seu filme

Etapa 1. Prepare-se para tudo com antecedência

Você deve ser o primeiro no set e o último a sair todos os dias. Filmar um filme não é fácil, e você precisa presumir que tudo o que pode dar errado dará certo. Os atores ficam doentes, o clima não coopera e há centenas de pequenas decisões (iluminação, colocação de personagens, figurinos) que precisam ser tomadas a cada hora. A única maneira de ter uma filmagem bem-sucedida é trabalhar o máximo possível antes mesmo de começar.

• Reveja a lista de fotos do dia. O que você precisa obter e o que pode cortar se ficar sem tempo?
• Ensaie com os atores. Certifique-se de que eles conheçam suas falas e como você deseja que sejam tocadas.
• Reveja as opções de iluminação e câmera com o DP.

Etapa 2. Informe a todos o que é esperado no início da filmagem

Forneça a todos os detalhes de uma maneira direta desde o início. Isso é especialmente importante para filmes de baixo orçamento, já que você normalmente conseguirá atuar e trabalhar de graça. Deixe o elenco e a equipe saberem seus objetivos para as filmagens do dia e como eles são gratos por seu apoio.

• Divulgue a programação do dia com antecedência para que todos estejam preparados.
• Informe a equipe sobre quaisquer efeitos especiais ou climas que você deseja e como eles podem ajudar a criá-los.
• Revise seu procedimento de filmagem para que todos conheçam seu papel.

Etapa 3. Configure o bloqueio de cena

O bloqueio é onde os atores estão e para onde vão. Este é o primeiro passo para qualquer filmagem, e o mais essencial - todas as luzes, câmeras e som não podem ser colocados antes de terminar. Se a cena estiver bem ensaiada, isso deve ser fácil. Do contrário, você precisará gastar algum tempo colocando os atores nos lugares certos.

• Mantenha isso o mais simples possível - caminhar em linhas retas, entradas e saídas básicas e principalmente posições estáticas. Não é uma brincadeira e as câmeras irão capturar apenas uma pequena fração de toda a cena. Deixe a câmera fazer o movimento sempre que possível, não os atores.
• Uma fita adesiva pode ser colocada no chão para dizer aos atores aonde vão depois de cada cena.
• Muitas vezes você pode pré-planejar usando membros da tripulação ou uma lista detalhada de tomadas para economizar tempo. Se você já tiver o bloqueio escrito, seu tiro será muito mais produtivo.

Etapa 4. Configure suas câmeras

Existem inúmeras maneiras de posicionar, mover e usar suas câmeras. É por isso que uma lista de fotos, que é basicamente uma lista das posições predefinidas da câmera, é vital para economizar tempo e dinheiro. Por questão de tempo, os três ângulos de câmera essenciais em uma cena de diálogo são:

• Estabelecendo tiros ou mestres:

  Os planos de estabelecimento contêm toda a ação da cena - os personagens que falam, o cenário e os movimentos. São tomadas longas e amplas que, se algo der errado, você poderá usar para filmar a cena inteira, já que capturam tudo.

• 2 fotos (2 câmeras):

  Uma câmera sobre o ombro de cada ator, apontando para o outro ator. Desta forma, você consegue olhar para cada personagem enquanto eles falam.

• Ao filmar 3 ou mais atores, tente bloquear para que você tenha 2 personagens no quadro ao mesmo tempo - desta forma, você só precisa de uma câmera para capturar seus diálogos.
• Assista a alguns de seus filmes favoritos com um olhar perspicaz. Como, por exemplo, um filme capturaria um jantar com duas pessoas? Você notará esses três ângulos de câmera (um dos dois + a mesa, um do cara, um da garota) mais do que qualquer outro conjunto de fotos.

Etapa 5. Configure suas luzes

Lembre-se de que é sempre melhor ter mais luz do que menos. É fácil escurecer uma imagem na pós-produção, mas é muito difícil torná-la mais clara sem sacrificar a qualidade da imagem. Aproveite a luz natural sempre que possível e, acima de tudo, mantenha a simplicidade. O seu objetivo é uma gama agradável e gradual de luzes - sombras profundas e escuras e muito poucos pontos brilhantes grandes.

• Coloque sua câmera em preto e branco para ver apenas a luminosidade da imagem. Se ainda for uma foto interessante em preto e branco, ela terá uma cor incrível.
• A hora e meia entre o nascer e o pôr do sol é considerada a melhor época para fotografar com luz natural. A iluminação é suave e uniforme, e você pode até usar esse tempo para iluminar fotos "noturnas", que são esmaecidas mais tarde na pós-produção.
• Use "práticas" ou luzes na cena. Problemas para acertar a luz? Fixe uma lâmpada na foto ou acenda as luzes do teto.

Etapa 6. Saiba como iniciar uma sessão de fotos

As técnicas para começar um filme variam de cenário para cenário, mas não devem variar de plano para plano. Ter uma rotina antes de começar a filmar garante que todos estejam sempre na mesma página. Quando possível, esse é o dever do AD. Uma rotina de amostra incluiria:

• "Pessoal, esta é uma foto, cale-se, por favor!"
• "Role o som!" Esta é a deixa para iniciar os microfones. Quando terminar, alguém grita, "Rolling!"
• "Role a imagem!" Esta é a deixa para iniciar as câmeras. Quando terminar, alguém grita, normalmente, "Velocidade!"
• Leia o título, a cena e o número do take, "Este é meu filme, cena 1, take 2." Se você tem uma ripa, ela bate e alguém grita "Marcador!"
• 3-5 segundos de silêncio.
• "AÇAO!"

Etapa 7. Fotografe sua cobertura assim que tiver a cena desejada

Escolha alguns ângulos extremos, fotos interessantes do ambiente ou close-ups dos rostos, mãos ou adereços dos personagens e execute a cena novamente. Essas tomadas podem durar apenas 1-2 segundos no filme, mas são essenciais para a edição. Olhe para qualquer filme e observe quantas tomadas pequenas e aparentemente inúteis são usadas para entrar no mundo da cena, mostrar uma contração emocional ou simplesmente fazer a transição de uma cena para outra. Filme essas cenas depois que os atores tiverem falado de acordo com sua preferência.

Os personagens falam sobre o bolo na mesa? Então você precisa de uma dose apenas do bolo na mesa. Você precisa mostrar que horas são? Então você precisa de uma foto do relógio na parede

Etapa 8. Revise sua filmagem todos os dias e risque sua lista de filmagens

Você pode precisar fazer alguns sacrifícios dependendo do seu orçamento e tempo, mas até mesmo os diretores de Hollywood são forçados a fazer isso. Depois de cada dia, certifique-se de ter tudo o que deseja e precisa e risque-o de sua lista de fotos. Você precisa saber agora, não três meses depois, ao começar a editar, se algo está faltando.

Etapa 9. Pegue as fotos do rolo B

B-roll são simplesmente as tomadas que não incluem atores. Geralmente é usado em transições, abertura ou fechamento de créditos ou criação de um novo local. Saia com uma câmera e faça DP e obtenha o máximo de horas de filmagem possível. Seu objetivo principal é pensar em filmagens que complementem o filme. Por exemplo, o B-Roll em Punch-Drunk Love é uma série de fotos abstratas e multicoloridas que correspondem ao estado mental confuso, ansioso e aleijado do protagonista. Filmes de espionagem geralmente têm muito B-Roll de praias lindas, cidades agitadas e paisagens dramáticas. B-roll conta sua história sutil e visualmente.

• Você nunca pode ter um rolo B suficiente. Quando você está editando, este é o tecido conectivo que mantém suas cenas juntas para fazer um filme legítimo.
• Você pode e deve fazer um rolo B antes e depois do "fim" de uma cena, pois esses 2-3 segundos são uma ótima maneira de trazer o público para a cena lentamente.

Etapa 10. Faça backup de sua filmagem todos os dias

No final da filmagem, reserve um tempo para retirar sua filmagem dos cartões de memória e baixe-a para um disco rígido seguro. Essa pequena etapa no final do dia pode economizar horas e horas de tempo, no caso infeliz de você perder sua filmagem.

• A maioria dos profissionais usa mais de um backup, copiando todas as filmagens para pelo menos duas fontes antes de apagar qualquer coisa nos cartões de memória.
• Aproveite este tempo para organizar sua filmagem também. Crie uma pasta para o dia em que filmou e, em seguida, organize a filmagem nessa pasta por cena. Isso tornará a filmagem muito, muito mais fácil.

Método 4 de 4: editando seu filme

Passo 1. Escolha o software de edição certo para o seu filme. Existem muitas opções para escolher quando se trata de software de edição de vídeo (muitas vezes chamado de programas de edição não linear ou NLE), de programas gratuitos como o iMovie e Windows Movie Maker a potências complexas de nível profissional como Final Cut Pro e Adobe Premier. O que você escolhe usar é em grande parte uma questão de preferência pessoal e o tipo de projeto em que está trabalhando:

• Softwares livres, como o iMovie e o Windows Movie Maker, só são úteis para pequenos filmes, geralmente com menos de 20 minutos. Eles não foram projetados para lidar com muitos ângulos de câmera e vídeo e têm um número limitado de transições e opções de efeitos.
• O software pago é necessário para qualquer aspirante a cineasta. Se você usa várias câmeras em uma cena, precisa de texto, transições ou efeitos suaves ou simplesmente deseja um programa de nível profissional, precisa investir em um bom software. Atualmente, os três programas "padrão da indústria" são Avid, Final Cut X e Adobe Premier, e cada um vem com um preço alto, geralmente US $ 400 ou mais. Muitas vezes, no entanto, você pode se inscrever nesses programas por um pequeno pagamento mensal.

Etapa 2. Importe uma cena para o seu editor de vídeo

Com um curta-metragem (menos de 20-30 minutos), você provavelmente pode importar todas as filmagens de uma vez. Mas se você estiver fazendo um longa-metragem ou simplesmente trabalhando com vários ângulos de câmera, você desejará editar seu filme em partes. Importe apenas a filmagem necessária para a cena, bem como qualquer rolo B relevante.

Se você tiver várias câmeras na mesma cena, use a opção "Sincronizar" do seu programa para alinhar todas elas juntas. Encontre o "modo de edição de multicâmera" de seus programas, o que torna mais fácil alternar entre várias fotos simultaneamente, procurando por "Edição de várias câmeras [Seu programa]" online. Isso combina todas as câmeras para que você não tenha que passar horas certificando-se de que cada corte esteja em sincronia com a última foto

Etapa 3. Use suas primeiras fotos para definir o clima e o tema da cena

As primeiras fotos estabelecerão o foco da cena. Você tem um número quase infinito de opções, mas algumas das mais comuns incluem:

• O Plano de Estabelecimento:

  Essa é de longe a maneira mais comum de iniciar uma cena. Esta cena mostra todos os atores principais, a cena e o local ao mesmo tempo. Isso permite que o público tenha uma ideia da cena e possa acompanhar o resto das músicas que virão.

• Caráter Focado:

  Quer digam a primeira linha ou não, seguindo o personagem principal da cena, eles dizem ao público que essa é a pessoa em quem eles precisam prestar atenção - algo vai acontecer com eles ou eles terão alguma realização.

• Preparando a cena:

  Use o rolo B e fotos da sala / ambiente para ter uma ideia do local. Isso é usado em muitos filmes, principalmente de terror, onde uma cena pode começar com 5 a 6 tomadas assustadoras de uma casa mal-assombrada em um cômodo perigoso.

Etapa 4. Construa o diálogo em torno das melhores tomadas do ator

Reveja sua filmagem e veja quais cenas você mais gosta - onde todos acertaram em cheio, o diálogo pareceu natural e a filmagem está clara e em foco. Se você conseguir encontrar uma tomada em que tudo seja bem feito, você está com sorte e seu trabalho será muito mais rápido.

Etapa 5. Mostre cada personagem enquanto eles pronunciam suas falas

Esta regra não é dura e rápida, mas você quase sempre deve começar com ela. A partir daí, você pode decidir se é mais importante assistir a um personagem ouvindo ou falando. Assista Whiplash ou There Will Be Blood para uma boa ideia de onde o foco da cena deve estar em filmes orientados para o diálogo.

O melhor personagem para mostrar em uma cena geralmente é uma questão de sentimento. Quem você acha que precisa ser o foco da linha? Um ator dá uma expressão ou reação particularmente boa a alguma coisa? Para onde seus olhos iriam se você estivesse sentado na sala com os atores?

Etapa 6. Preencha quaisquer lacunas / erros do B-roll e outras tomadas

Às vezes, você não consegue uma boa tomada e precisa combinar muitas filmagens para fazer a cena funcionar. Isso é incrivelmente comum, mas não deve ser difícil se os atores acertarem o bloqueio todas as vezes. É quando você adiciona os detalhes e a cor à cena. Por exemplo, um personagem pode oferecer a alguém o bolo sobre a mesa e você pode cortar para uma fatia do bolo. Ou, em uma cena de interrogatório tensa, você pode mostrar os criminosos de perto, suando e preocupados, antes de voltar para a próxima linha do diálogo.

Não existe uma maneira certa de editar uma cena, desde que você se lembre de que está tentando contar a história acima de tudo. Deixe que as imagens falem o máximo possível

Etapa 7. Ajuste o tempo da cena para dar-lhe ritmo

A edição é sobre ritmo e tempo. Você precisa que o filme flua naturalmente. É por isso que os editores pensam em termos de quadros individuais - as imagens estáticas de microssegundos que você vê ao pausar a tela - em vez de segundos. Muitos editores trabalham com música por esse motivo, editando os quadros para se adequar a uma batida ou música e dar o ritmo à cena. Você não precisa seguir o ritmo natural dos atores na tela e, em muitos casos, não deveria. Adicionar ou excluir pausas, mesmo por alguns décimos de segundo, pode tornar um bom desempenho um ótimo desempenho. Por exemplo:

• Cenas cômicas, voltadas para a ação ou de alta energia têm um tempo muito rápido. Não há muitos espaços entre as linhas e as palavras quase caem umas sobre as outras para saírem. Isso faz com que a cena pareça rápida e animada.
• Cenas tensas geralmente são mais lentas. As pausas são prolongadas, o rolo B é usado intensamente e as tomadas são mantidas por um longo tempo para incomodar o espectador. Para uma aula magistral de edição lenta, assista a 12 anos de escravo, especialmente a cena de enforcamento no meio do filme.
• O cérebro humano leva de 3 a 5 quadros para reconhecer uma imagem. Isso significa que, se você estiver tentando ser rápido demais, pode apenas confundir o público.

Etapa 8. Aprenda os diferentes tipos de cortes para editar profissionalmente

Editar é a arte de contar uma história por meio de cortes. Em outras palavras, um filme é simplesmente uma série de vídeos colocados consecutivamente, e como você passa de um para o outro é como o público percebe a história. Portanto, como você ordena o corte de um vídeo para o outro é tudo o que "importa" ao editar um filme. Os melhores cortes são perfeitos, contando a história sem que o público perceba que pulamos de uma cena para a outra.

• Corte Duro- um corte imediato para outro ângulo, geralmente na mesma cena. Este é o corte mais comum no filme.
• Corte Smash- Uma mudança abrupta para uma cena completamente diferente. Isso chama a atenção para o corte, muitas vezes sinalizando uma surpresa ou uma grande mudança no enredo.
• Jump Cut- Um corte abrupto feito na mesma cena, geralmente de um ângulo ligeiramente diferente. Estes são raros e geralmente mostram confusão ou a passagem do tempo.
• J-Cut- Quando você ouvir o áudio da próxima cena antes de ver o vídeo. Esta é uma ótima maneira de vincular duas cenas tematicamente ou fornecer narração.
• L-Cut- Quando você vir o vídeo da próxima cena antes de ouvir o áudio. Essa é uma ótima maneira de mostrar um personagem falando sobre algo, como uma promessa, e então cumprindo (ou quebrando).
• Corte de ação- Um corte no meio de uma ação, como alguém abrindo uma porta, que "esconde" o corte na ação. Por exemplo, um personagem pode se mover para um beijo, e conforme sua cabeça cruza a tela você corta para a cabeça entrando na tela de outro ângulo, geralmente a pessoa prestes a ser beijada.

Etapa 9. Costure suas cenas com B-roll e transições

Depois de fazer suas cenas, é hora de começar a juntá-las. Se você editou todas as suas cenas como arquivos separados, importe-os para um novo projeto "Master Film" e coloque-os em ordem. Em seguida, use seu B-roll, fotos de cobertura e transições para fazê-los fluir perfeitamente juntos. Considerando que você originalmente olhou para o tempo da cena, agora você está olhando para o tempo do filme - você pode cortar uma cena aqui e ali para fazer as coisas se moverem mais rápido? Você precisa de um pouco mais de B-roll entre as cenas para dar ao público tempo para reagir a um momento dramático? Novamente - o tempo é tudo.

• Este é um bom momento para pedir a um amigo para assistir ao filme com você. Eles entendem tudo o que está acontecendo? Há algum ponto da trama que se perdeu no embaralhamento e precisa de mais tempo? Qualquer um que é explicado demais e pode ser cortado?
• Em geral, quanto mais você corta, melhor é o filme. Se uma cena não está funcionando e não acrescenta nada de útil ao enredo, livre-se dela.

Etapa 10. Corrija a cor e o som do filme para torná-lo profissional

Depois de ter o filme tão bom quanto possível, é hora de um longo processo de limpeza. As últimas e mais importantes etapas para um filme profissional são a correção de cores e a mixagem de som. Embora existam livros inteiros escritos sobre o assunto, o melhor conselho é apenas fazer com que tudo pareça consistente - as cenas têm iluminação e cor semelhantes, e não há locais onde o som seja extremamente alto ou difícil de ouvir.

Existem muitos estúdios que, por uma pequena taxa, podem ser pagos para fazer correção de cores e mixagem de som profissional. Se não tiver certeza de como fazer isso e quiser um filme profissional, você deve absolutamente pagar pela gradação de cores e mixagem de som profissionais

Etapa 11. Edite para contar a história, não para ser chamativo

Existem muitos filmes chamativos, famosos e estilizados por aí que parecem uma ótima ideia para copiar. Quentin Tarantino e Guy Ritchie, em particular, viram seus estilos cinéticos animados em filmes como Pulp Fiction e Lock, Stock e Two Smoking Barrels, apropriados por jovens cineastas em todos os lugares. O que essas pessoas não percebem é que esses diretores escolheram esse estilo porque se encaixa no filme. A edição parece fácil porque simplesmente deixa as histórias (histórias cinéticas, voltadas para a ação) tomarem o centro do palco. Seu trabalho número um ao editar é deixar a história contar-se naturalmente. Você guia o visualizador, mas em nenhum momento o visualizador deve comentar sobre a edição. A melhor edição é invisível.

Pontas

• Experimente escrever um pouco de música para acompanhar seu filme. Isso apenas dá aquele toque especial.
• Faça com que seus atores examinem o roteiro e peça que escrevam coisas que gostariam no filme. Tente colocá-los em uma sequência lógica e certifique-se de que não sejam muito ultrajantes para o seu filme.
• Muitas cidades têm salões que podem ser alugados se você precisar de um conjunto mais espaçoso.
• Tente se divertir no set porque isso tornará a atuação mais fácil do que ser sério o tempo todo. Você pode até ter uma reunião especial para você e os atores para discutir o filme, os personagens, os cenários e as roupas que você usará, e apenas dar suas ideias de como tornar o filme mais interessante.
• Fades e dissolves geralmente parecem mais profissionais do que outras transições, como wipes ou flips.
• Tente adicionar os sons de dublagem, isso dá ao filme um toque especial.

Avisos

• Mas tome cuidado com isso, pois o sol brilhando em suas costas pode criar sombras em sua foto.
• Se você filmar ao ar livre, o sol pode atingir a câmera em um ângulo ruim. Tente evitar isso fotografando em um dia nublado ou mova-se até que o sol esteja voltado para as costas do cameraman.